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Interview mit Claudia Robles Angel

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BEETHOVEN’S MIND, Light and sound installation by Javier Garavaglia & Claudia Robles-Angel ©2021, Claudia Robles-Angel /VG Bild-Kunst.

Rachel Müller von der Plattform Archives of Digital Art (ADA) hat folgendes Interview mit der UNPAINTED Künstlerin Claudia Robles Angel geführt:

Was sind Ihre aktuellen Projekte?

Ich arbeite gerade an zwei neuen Projekten, das erste ist eine Fortsetzung/Weiterentwicklung meiner letzten Installation REFLEXION. Diese neue Arbeit ist inspiriert von dem spontanen Ordnungs- oder Synchronisationssystem in der Natur, z.B. Glühwürmchen oder Menschen, die zusammenklatschen. Ziel ist es, die gesamte Gruppe zu einer spontanen Synchronisation zu bringen, die eine Verbindung zwischen dem Performer und dem Publikum innerhalb des immersiven Klangraums herstellt, nämlich dass sowohl die Herzschläge des Performers als auch des Audi-ence voneinander beeinflusst werden.

Das zweite Projekt untersucht die Integration von Affective Computing, emotionaler Intelligenz und maschinellen Lerntechniken in Kombination mit biomedizinischen Signalen, um eine neue Installation zu schaffen, einen intelligenten Raum, der die Emotionen der Besucher mithilfe von KI erkennt und mit Visuals, Sounds und Text entsprechend solcher Emotionen reagiert.

Welche Wege haben dich zur digitalen Kunst geführt und was hat dich anfangs daran fasziniert?

Seit Beginn meiner Karriere faszinieren mich Technologien (zuerst analog und später digital).

Von Anfang an (in den 80er Jahren) wollte ich sie mit Kunst kombinieren, aber leider gab es zu dieser Zeit in der Kunstfakultät, in der ich studierte, keine Abteilung, die sich dem widmete, für die ich mich entschied, alleine zu experimentieren und dieses Experimentieren mit meinem Kunststudium zu kombinieren, vor allem, weil ich von bewegten Bildern angezogen wurde, Ich fing an, mit 16mm-Film zu experimentieren. Zu dieser Zeit begann ich auch darüber nachzudenken, wie man PCs zur Herstellung von Kunstwerken verwenden kann. Aufgrund der Tatsache, dass eine solche Kombination in den Programmen an meiner Universität nicht verfügbar war, beschloss ich, nach Europa zu kommen, um Kunst so zu studieren, wie ich es mir wünschte (Medienkunst). Während meines Studiums der Videokunst in der Schweiz begann mein Interesse an Klang, der Grund, warum ich Jahre später nach Deutschland kam, um digitale Klangkunst und elektroakustische Musik zu studieren.

Was hat Ihr Interesse geweckt, den menschlichen Körper als Instrument zu betrachten; die meist unsichtbaren und unhörbaren inneren Bewegungen innerhalb des menschlichen Körpers darzustellen und in die Performance zu integrieren?

Mein Bewusstsein dafür begann, als ich mein Studium in Deutschland begann. Davor habe ich mit diversen Softwarepaketen für Video und Ton gearbeitet, aber erst als ich mit der Code-Programmierung anfing, kam ich zu der Erkenntnis, dass ich meinen Körper viele Stunden lang nicht benutzte… nur meine Hände… was in meinem Kopf folgende Frage auslöste: “Warum nicht meinen ganzen Körper benutzen”?

Der eigentliche Schub begann dann während eines interdisziplinären Workshops in der Bauhaus-Stiftung, an dem Künstler aus vielen Disziplinen teilnahmen und wo wir gemeinsam Performances erstellten, einschließlich der Möglichkeit, mit einer deutschen Tanzgruppe zusammenzuarbeiten, die ein Interface für Tänzer entwickelt hatte, um Muskelspannungen für interaktive Tanzarbeiten zu messen. Während dieses Workshops hatte ich die Möglichkeit, Software zu testen, die interaktive Werke erstellte. Nach diesem Workshop kam mir das nächste Projekt, das ich entwickeln wollte, und ich begann sofort, nach Mitteln und Institutionen zu suchen, die die Technologie hatten, die ich verwenden wollte. Diese Suche wurde Artist in Residence (und Förderung) am ZKM (Zentrum für Kunst und Medien) in Karlsruhe, wobei ich 2004 die interaktive Performance/Installation “Seed/Tree” mit biomedizinischen Signalen schuf; Dies war das erste Projekt, mit dem ich begann, den menschlichen Körper als Instrument zu erforschen, mit besonderem Augenmerk auf die normalerweise unsichtbaren und unhörbaren inneren Bewegungen im menschlichen Körper. Dies hängt auch mit meiner Verwendung von Makroobjektiven in Video und Fotografie zusammen, um das Unmerkliche sichtbar zu machen, so dass die Ausweitung auf meine Verwendung biomedizinischer Schnittstellen eine natürliche Entwicklung in meinem kreativen Prozess war.

Was gab es zuerst – ein wissenschaftliches oder ein künstlerisches Interesse?

Mein Hauptziel ist und war immer künstlerisch, auch wenn wissenschaft immer gleichzeitig und ständig in meinem Kopf war. Zum Beispiel wurde meine Abschlussarbeit in Bildender Kunst (mein erster Abschluss) von der Quantenphysik inspiriert. Aber mein Impuls, die Welt zu hinterfragen und als Antwort Kunst zu schaffen, leitet sich definitiv aus künstlerischer Sicht ab.

Was kann Ihrer Meinung nach gewonnen werden, wenn man die Kluft zwischen Kunst und Wissenschaft überbrückt?

Das Wichtigste aus meiner Sicht ist die Möglichkeit, über unsere eigenen Felder hinauszugehen, in einer Weise, in der wir beide ein besseres und breiteres Verständnis der Welt erlangen und beide Bereiche bereichern können.

Aus künstlerischer Sicht bietet die Wissenschaft Künstlern durch eine Vielzahl von Faktoren (einschließlich Technologien) eine breite Palette von Möglichkeiten, die sonst nicht erreicht werden können. Darüber hinaus bin ich davon überzeugt, dass digitale Kunst ohne Wissenschaft nicht existieren könnte.

Wie beeinflusst die rasante Entwicklung der Schnittstellen in Ihren Kunstwerken Ihren künstlerischen Prozess?

Eine solche rasante Entwicklung hat viele Konsequenzen, und die wichtigsten sind die, dass die Schnittstellen, die ich derzeit verwende, nicht nur viel erschwinglicher sind (preislich), sondern auch viel einfacher mit verschiedenen Softwarepaketen kombiniert werden können, was viel mehr Möglichkeiten des Experimentierens und Entwickelns ermöglicht. Als ich zum Beispiel Gehirnwellen in meiner Arbeit (2008) einführte, hatte ich keine andere Wahl, als ein medizinisches Gerät zu verwenden, das viel Aufwand und Forschung erforderte, um mit der Programmiersoftware zu verbinden, die ich für meine Performance INsideOUT verwendete. Etwa sieben Jahre später begann ich, ein anderes System zum Lesen von Gehirnwellen zu verwenden, das einfacher zu erhalten war, einfacher in meine Arbeit einzufügen, viel billiger als das erste und das die Verwendung in Installationen ermöglichte, was das erstere nicht erlaubte.

Das Hauptproblem hierbei ist, dass diese Art von Schnittstellen in der Vergangenheit nur in wissenschaftlichen Einrichtungen erschwinglich waren, aber heutzutage können wir sie kommerziell zu erschwinglichen Preisen und kleinen Größen erhalten und sogar mit unseren Smartphones verbinden.

Die meisten digitalen Kunstwerke entstehen kollaborativ. Wie viele Menschen sind (im Durchschnitt) an deinen Kunstwerken beteiligt und wie würdest du die künstlerische Entwicklung deiner Arbeiten als kollektiven/individuellen Prozess beschreiben?

Ich bin es gewohnt, mehrere Kopien der audiovisuellen Kompositionen der festen Medien auf verschiedenen externen Platten zu haben, aber in Bezug auf interaktive Performances und Installationen mache ich normalerweise Videodokumentationen von jedem Werk und die Archive enthalten Töne, Bilder und Programmierung für jedes Werk.

Nach den Werken, zum Beispiel Installationen, ist es am besten möglich, sie dauerhaft in internationalen Museen auszustellen.

Bei Performances (Videodokumentation) sowie bei den festen Medienwerken (audiovisuelle oder akusmatische Kompositionen) sind spezialisierte Institutionen am besten zu bewahren. Zum Beispiel sind einige meiner Arbeiten (audiovisuelle & akusmatische Kompositionen) bei ICEM (Folk-wang Universität der Künste, Essen), bei www.emdoku.de/en archiviert und zusätzlich habe ich eine Pro-Datei mit Bildern meiner interaktiven Arbeiten auf dieser Plattform (ADA).

Besuchen Sie Claudia Robles Angels Sektion im UNPAINTED Artstore

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