Wie kann man digitale Kunst sammeln?

Digitale Kunst hat in den letzten Monaten deutlich an Stellenwert gewonnen. Daher ist die Frage, wie man es am besten sammelt und ausstellt, für Künstler, Kuratoren und Sammler gleichermaßen von wachsender Bedeutung.

Digitale Kunst, auch als Computerkunst oder Medienkunst bezeichnet, geht auf die 1950er und 1960er Jahre zurück, als auch die ersten Computer aufkamen. Pioniere via Vera Molnár, Manfred Mohr und Paul Brown experimentieren mit den neu aufkommenden Möglichkeiten, Kunst zu generieren.

Im Gegensatz zu ihren traditionelleren Pendants in Malerei und Skulptur können digitale Kunstwerke, auch wenn sie teilweise nicht unwesentlich sind, in einer Kunstwelt, die sich noch sehr auf Farbe und Leinwand konzentriert, ungreifbar erscheinen. In bestimmten Fällen kann die Unterscheidung zwischen verschiedenen Kunstkategorien sogar verwischt werden. Doch wie genau wir Kunst – in einer Galerie, auf unseren Telefonen oder zu Hause – betrachten, ist heute mehr denn je eine technologische Frage.

Während Digitale Kunst auf den ersten Blick wenig greifbar erscheint, bietet sie doch gewisse Vorteile gegenüber herkömmlicher Kunst. Beispielsweise kann man sie, wenn sie etwa auf einem USB-Stick gespeichert ist, platzsparender aufbewahren und leichter transportieren. Digital zertifiziert ist eine digitale Arbeit auch sehr schwer zu fälschen. Auf dem Handy kann man ein digitales Kunstwerk auch unterwegs Freunden zeigen, fernab der eigenen vier Wände. Nicht zuletzt, ist die Vielfalt der Erscheinungsformen faszinierend.

Die folgenden Präsentationsformen, die sowohl in der Galerie als auch im Haus an Attraktivität gewonnen haben, geben einen Überblick über die Möglichkeiten, die digitaler Kunstsammler heute zur Verfügung stehen.

1. Kunstdrucke

Beginnen wir mit etwas, das jeder erkennen sollte. Für viele Menschen bieten Kunstdrucke die vertrauteste Möglichkeit, Kunst zu zeigen. Für das Aufhängen eines Digitaldrucks, der nach Belieben gerahmt und positioniert werden kann, wird keine Spezialausrüstung oder gar eine Steckdose benötigt. Ein “Bild” zum Aufhängen mag nicht immer sofort als “Digitales” Kunstwerk identifizert werden. Und doch sind auch solche Werke oft mit digitaler Technologie geschaffen. Wer möchte nicht einen exklusiven Druck als Teil der Einrichtung? Das Schöne an limitierten Drucken ist, dass man als Sammler nicht nur direkt zur Künstlerkarriere beiträgt, sondern auch an etwas festhalten kann, das nur eine ausgewählte Anzahl von Sammlern besitzt. Drucke kosten auch einen Bruchteil dessen, was ein Originalkunstwerk kosten würde, während sie die Möglichkeit bieten, Stücke eines etablierten Künstlers auf Museumsebene zu besitzen.

Digitale Kunst kann auf einer Vielzahl von Oberflächen gedruckt werden, ein beliebtes Medium ist Papier oder Alu Dibond. Die für diesen Prozess verfügbaren Technologien haben sich im Laufe der Jahre vervielfacht und deutlich verbessert. Obwohl der Tintenstrahldruck für viele von uns inzwischen leicht zugänglich ist, kommt der durchschnittliche Heim- oder Bürodrucker nicht annähernd an die Größe, das Detail und den Kontrast heran, die mit den heutigen High-End-Kunstdruckern erreicht werden können. Neben neuen Drucktechniken wurden auch spezielle Papiersorten für den Digitaldruck entwickelt. Die UNPAINTED-Künstlerin Birthe Blauth nutzt eine High-End-Drucktechnik, die eine sehr gute Qualität erzeugt.

2. Skulpturen und Installationen

Digitale Kunst muss nicht immer auf dem Computerbildschirm stattfinden. Neben Flachware gibt es zahlreiche Beispiele digital erstellter dreidimensionaler Objektkunst, etwa die suggestiven Multimedia-Gebilde des tschechischen Künstlers Jakub Nepras. Räumliche künstlerische Objekte können auch aus dem 3-D-Drucker kommen.

Digitale Kunst eignet sich auch für installative Darstellung, häufig mit interaktiven Eigenschaften. So zum Beispiel Miguel Chevaliers Arbeit Pixel’s Wave / 8 Ties Hermès auf der UNPAINTED Media Art Fair 2014. Diese Art von Kunst eignet sich in der Regel nur bedingt für den Privatsammler, erfordert sie doch größere dedizierte Flächen. Einige Sammler verwandeln Teile ihres Hauses, indem sie Projektoren installieren und “dunkle Räume” machen, um Videokunst an den Wänden zu genießen.

3. Kunst auf dem Monitor / Videokunst

Im Gegensatz zu Drucken verlassen einige Formen digitaler Kunst niemals die Bildschirmwelt, in der sie entstanden sind. Videokunst, auch bekannt als zeitbasierte Medien oder bewegte Bildkunst, ist ein solches Medium. Entwickelt von Künstlern wie Nam June Paik, kann Videokunst von Erkundungen in der Kinematografie und Animation bis hin zu hoch abstrahierten Produkten von Feedback, Rauschen und Verzerrungen reichen. Die Dauer dieser Videos kann von einigen Sekunden bis zu mehreren Stunden variieren. Nicht jedes Kunstvideo ist Digitale Kunst, es gibt aber komplett digital erstellte Animationen oder solche, die mit Augmented Reality angereichert sind.

Während viele Menschen Videokunst mit erhabenen Galerieräumen und 360° Surround-Sound in Verbindung bringen könnten, bringt die Entstehung erschwinglicher Flachbildschirme und digitaler Projektoren die Werkzeuge, um bewegte Bilder in die Hände einer größeren Anzahl von Kunstliebhabern zu zeigen. Hersteller bieten sogar Bildschirme an, die speziell für die Darstellung von Kunst entwickelt wurden. Diese Bildschirme haben oft auch eine Verbindung zum Internet und können durch Smartphone-Apps gesteuert werden.

Eine Reihe von Websites, wie auch UNPAINTED, bieten digitale Kunstwerke, die heruntergeladen werden können. Der Vorteil für den Sammler besteht hier in einfacher Handhabung und Portabilität bei sehr geringem Platzbedarf.

Künstler oder ihre Galerien bieten Videoarbeiten zum Verkauf als Datei auf einem USB mit einer Präsentation über das Werk, zum Beispiel die Arbeiten von Manuela Hartel. Neben einem USB-Stick bieten Künstler auch eine Version der Videodatei an, die nach dem Kauf als Download zur Verfügung steht. In manchen Fällen wird sogar der LED-Bildschirm oder ein Beamer mitgeliefert.

4. Blockchain (NFT) Kunst

So faszinierend die digitale Kunst auch ist, Sie fragen sich vielleicht über die Frage der Originalität. Kann es dann noch ein “Original” geben, wenn Kunstwerke so einfach und exakt kopiert werden können? Seit Kurzem erlebt die sog. NFT-Kunst (engl. auch “Crypto Art”) einen ungeahnten Aufschwung.

Die Blockchain-Kunst hat sich dem Problem der Originalität gestellt, indem sie die Möglichkeit der Überprüfbarkeit und Sparsamkeit wieder in den digitalen Bereich eingeführt hat. Eine Reihe von Tools und Plattformen nutzen Blockchain-Kryptographie, um digitale Kunstwerke nachweislich selten zu machen und ihre Authentizität zu überprüfen. Websites wie Nifty Gateway oder Foundation Art haben einen Marktplätze für digitale Kunst erschaffen, wo Käufe mit einem exklusiven Download, einem Echtheitszertifikat und dem Recht, das Kunstwerk zur Schau zu stellen geliefert werden. Die Plattformen ermöglichen es den Besuchern im Wesentlichen, tokenisierte digitale Kunst online zu kaufen, ob es sich um ein Bild, GIF oder andere Dateien handelt. NFTs versprechen Einzigartigkeit bei gleichzeitiger Handelbarkeit. In der Regel ist im einprogrammierten Smart Contract eine Regelung verankert, nach der der Künstler auch bei späteren Transaktionen noch mitverdient. Dies ist gegenwärtig am Sekundärmarkt in der Regel nicht der Fall.

Eine der Folgen der Injektion digitaler Kunst mit einer Dosis Knappheit ist, dass ihr Sammlerwert steigt. Im Jahr 2018 verkaufte sich das Krypto-Artwork “The Forever Rose” für eine Million US-Dollar, das damals teuerste virtuelle Kunstwerk aller Zeiten. Im März 2021 wurde dies sensationell übertroffen mit dem Zuschlag bei 69,3 Mio. USA bei einer Auktion bei Christie’s für das Kunstwerk “Everydays – The First 5000 Days,” des Künstlers Beeple. Es handelte sich hier um eine tokenisierte JPEG Datei.

Während die “echten” Digitalkünstler, u.a. diejenigen, die sich als “NFT-Künstler” bezeichnen, native Kunstwerke erzeugen, die es sonst so nicht gibt, bieten gewisse Plattformen digitalisierte oder tokenisierte Versionen von Kunstwerken etablierter Nicht-Digitaler Künstler an, deren Arbeiten ursprünglich in der analogen Welt beheimatet sind.

5. Augmented und Virtual Reality

Virtual Reality (VR) und Augmented Reality (AR) sind In den letzten Jahren sind durch entsprechende “Brillen”, die man sich aufsetzen kann, einem breiten Publikum zugänglich geworden. Neben dem Gaming hat sich die Kunst als dankbare Anwendung erwiesen. Einige Künstler wie Banz & Bowinkel oder STATION ROSE nutzen Augmented Art, die sie mithifle einer Smartphone App sichtbar machen. Die Anzahl der Ausstellungen, die irgendeine Form von Augmented Reality nutzen, ist in den letzten drei Jahren deutlich gewachsen. Mit AR kann man auch künstliche Animationen in eine reale Umgebung pflanzen. Während Augmented Reality die Wirklichkeit anreichert, wird bei Virtual Reality eine komplett künstliche Umgebung erzeugt.

AR-Kunst kann ein physisches Objekt mit einem virtuellen Gegenstück sein, das nur durch die Linse eines intelligenten Geräts gesehen werden kann. Es kann auch ein rein virtuelles Objekt sein, das auf einer bestimmten Materialumgebung überlagert wird, wie kAWS’ “Expanded Holiday”, das in zwölf Städten auf der ganzen Welt zu sehen war. Auch in geschlossenen Ausstellungsräumen können künsterische Objekte beliebig durch AR in Szene gesetzt werden. Nicht zuletzt gibt es Werkzeuge, in denen die Technologie Sammlern hilft, sich wandgehängte Kunst vorzustellen, bevor sie sich zu einem Kauf entschließen.